Intervista a Nathan Schubert, poliedrico pianista e compositore al rientro dal suo tour europeo

(English version scroll down)

Quando hai iniziato a comporre e quali o chi erano le tue prime passioni e influenze?

Ho iniziato a comporre in qualche modo da quando ho cominciato a suonare il pianoforte da bambino. All’inizio avevo appena elaborato piccole melodie e pezzi semplici, spesso basati su ciò che stavo imparando durante le lezioni di pianoforte. Da adolescente mi interessava molto la musica folk dell’Est Europa, e componevo melodie in quello stile. All’università ho frequentato la scuola di musica come pianista jazz, e ho scritto composizioni jazz per un trio di pianoforte. Dopo di che, ho realizzato qualche composizione atonale, e successivamente ho sviluppato una composizione minimale per pianoforte e qualche progetto di musica elettronica. Scrivo così da qualche anno ormai. Cerco di trarre ispirazione in modo abbastanza ampio, ma sentirete sicuramente le influenze comuni dei compositori del XIX-XX secolo, e la più moderna musica classica contemporanea.

Quali sono secondo te i momenti incisivi del tuo lavoro e/o della tua carriera?

Il tour europeo da cui sono appena tornato è senza dubbio il momento più incisivo della mia carriera. Ad oggi ho realizzato e pubblicato gli album, ma mi sento un po’ titubante sull’intera impresa, e la realizzazione di un progetto primario. Non avere una sede o un pubblico nel Canada occidentale è stato un fattore determinante. Durante il mio tour europeo sono stato in grado di incontrare di persona molti altri compositori di musica classica moderna e di esibirmi con loro. Poter suonare con altri artisti del genere, per un pubblico interessato a questa musica, è stata un’esperienza incredibile. Parlare con altri artisti del genere, e vederli veramente impegnati nel loro lavoro, mi ha fatto sentire molto più sicuro nel mio lavoro e ho pensato che avrei potuto perseguire questo progetto primario.

Puoi dirci qualcosa riguardo la tua ultima uscita discografica?

“When You Take Off Your Shoes” è per certi versi “Folds, Part 2”, in quanto riprende molti temi e arrangiamenti compositivi che ho iniziato ad esplorare con Folds. Volevo davvero riprendere da dove avevo lasciato il mio ultimo album, ma anche per esplorare nuove idee e forgiare nuovi percorsi. Per esempio, ho introdotto brevemente la fonografia nell’ ultima traccia di Folds. Nel mio nuovo album, la registrazione sul campo è una componente importante, presente nella maggior parte dei brani, alcuni brani contengono soltanto registrazioni sul campo. La strumentazione è anche più ricca in When You Take Off Your Shoes. Folds era un assolo di pianoforte, con un paio di intermezzi sintetizzati. In questo album ho aggiunto clarinetto, archi, più sintetizzatori e vari elementi di pianoforte. Mi sento anche come se nel tempo, da quando ho scritto Folds, di aver affinato la mia identità di compositore e il modo in cui voglio scrivere.

Cosa significano per te l’improvvisazione e la composizione e quali sono per te i rispettivi meriti?

Per me improvvisazione e composizione sono due facce della stessa medaglia. Tutte le mie composizioni iniziano come improvvisazioni che si concretizzano man mano che trovo quello che sto cercando di esprimere. In passato ho realizzato musica puramente improvvisata quando mi concentravo sul jazz, e recentemente ho introdotto alcuni di questi aspetti nelle mie performance dal vivo.

Il ruolo del compositore è sempre stato soggetto a cambiamenti. Qual è la tua opinione sui compiti (ad esempio politico/sociale/creativo) dei compositori di oggi e come cerchi di raggiungere questi obiettivi nel tuo lavoro?

Penso che ci siano molti ruoli distinti che uniamo insieme come “compositore”. Comporre per il cinema o la televisione, e comporre album, è un processo molto diverso, con un’intenzione economica e artistica molto diversa. Il mio rapporto con il ruolo di compositore è molto semplice e molto personale. Io compongo esclusivamente per me stesso, senza altre considerazioni reali. Il mio obiettivo è sempre quello di scrivere tutto ciò di cui ho bisogno per le mie esigenze emotive. Compongo per me stesso anche in qualità di interprete e di pubblico. Spesso compongo per consolarmi, o per esprimere un insieme complesso di emozioni a cui non riesco a dare voce verbalmente o attraverso il journaling. A differenza di molti artisti, ascolto anche la mia musica, dato che la scrivo davvero per me stesso. Come compositore a volte penso ad un pezzo che sto scrivendo come un regalo per il mio sé futuro, per poter suonare o per ascoltare. Dato che cerco di comporre da un luogo sub-tangibile di pura emozione, sperimentare la musica che scrivo per me stesso può essere piuttosto catartico. Questo è particolarmente evidente quando suono dal vivo. Io compongo questa musica per me stesso, e la suono ancora per me stesso, anche se invito gli altri a sedersi e ad ascoltare.

Quali strumenti impieghi per comporre la tua musica?

Io compongo con il mio pianoforte verticale, e attualmente questo è l’unico strumento che uso per la composizione. Nella realizzazione inserisco anche altri elementi, ma nella composizione tutto avviene al pianoforte, con una matita e un quaderno per gli appunti.

Ritieni che le composizioni contemporanee possano raggiungere l’attenzione di un pubblico più ampio?

Penso che qui ci sia un certo paradosso. Ritengo necessario che i compositori contemporanei smettano di cercare e di raggiungere un pubblico più ampio. Sento che scrivere per una maggiore attrattiva influisce negativamente sul processo creativo, sottovalutando la raffinatezza del pubblico come ascoltatori. Invece, i compositori dovrebbero concentrarsi su se stessi e trovare la musica che sentono di dover scrivere. Questo porterà ad un lavoro migliore e darà maggiori probabilità di trovare un pubblico. Inoltre, mi sembra che con i servizi di streaming ci sia davvero un pubblico in grado di accogliere ogni genere musicale. Ci sono così tanti artisti che oggi producono quella che sarebbe considerata musica di nicchia, ma in grado di trovare il pubblico online. Per me, questa è un’altra ragione per cui l’interesse più ampio non dovrebbe essere qualcosa a cui i compositori dovrebbero dedicare troppo tempo a pensare.

20190117-212457-1-1024x706

English version

1. When did you start composing – and what or who were your early passions and influences?

I’ve been composing in some capacity since I started playing piano as a kid. At first I’d just come up with little melodies and simple pieces, often based on what I was learning in piano lessons. As a teenager I got really interested in Eastern European folk music, and would write tunes in that style.

In college I went to music school as a jazz piano major, and had a piano trio I’d write jazz compositions for. After that, I did some atonal composition, and later had a minimal piano composition with electronics project.

I’ve been writing in this style for a few years now. I try to draw influence fairly broadly, but you’ll definitely hear the common influences from 19th-20th century composers, and more contemporary modern classical.

2. What do you personally consider to be incisive moments in your work and/or career?

The European tour I just got home from is definitely the most incisive moment in my career so far. Up until this point I’ve been making albums and releasing them, but feeling somewhat tentative about the whole endeavour, and making it may primary project. Not having venues or an audience in western Canada has been a major factor for that.

On my European tour I was able to meet a lot of other modern classical composers in person, and perform shows with them. Being able to play shows with other artists in the genre, for audiences interested in this music, was an incredible experience. Talking to other artists in the genre, and seeing them really commit to their work, made me feel a lot more confident in my own work and as though I could also pursue this as my primary project as well.

3. Can you tell us something about your last release?

‘When You Take Off Your Shoes’ is in some ways “Folds, Part 2”, in that it continues many themes and compositional devices I started exploring with ‘Folds’. I really wanted to pick up where I left off for my latest album, but also to explore new ideas and forge new directions.

For example, I introduced field recording briefly on the last track of ‘Folds’. On my new album, field recording is a major component, featuring on most tracks, as well as a couple tracks that are only field recordings.

The instrumentation is also richer on ‘When You Take Off Your Shoes’. ‘Folds’ was solo piano, with a couple synth interludes. On this album I’ve added clarinet, strings, more synths, and layers of piano parts.

I also feel as though in the time since ‘Folds’, I’ve honed in more on who I am as a composer and how I want to write.

4. What do improvisation and composition mean to you and what, to you, are their respective merits?

To me improvisation and composition are two parts of the same coin. All of my compositions begin as improvisations that become more concrete as I find what I’m trying to say.

I used to do more purely improvisational music when I was focusing on jazz, and lately I’ve been introducing aspects of that in my live performance.

5. The role of the composer has always been subject to change. What’s your view on the (e.g. political/social/creative) tasks of composers today and how do you try to meet these goals in your work?

I think there are many distinct roles we lump together as “composer”. Composing for film or tv, and composing albums, is a very different process with wildly different economics and artistic intention.

My relationship with the role of composer is very simple, and highly personal. I compose purely for myself, with no other real considerations. My goal is always to write whatever I feel like I need to for my own emotional needs.

I also compose with myself as the intended performer and audience. Often I’ll compose to console myself, or express a complex set of emotions I can’t quite give voice to verbally or through journalling. Unlike many artists, I also listen to my own music, since I really do write it for myself. As the composer sometimes I think of a piece I’m writing as a gift to my future self, either to be able to play or to listen to. Since I try to compose from a sub-tangible place of pure emotion, experiencing the music I write for myself can be pretty cathartic.

This is especially evident when I perform live. I compose this music for myself, and when I perform I’m still playing it for myself, though I invite others to sit in and listen.

6. What equipment do you use to compose your music?

I compose on my upright piano, and currently that’s the only equipment I use for composition. In production I bring in other elements for sure, but in composition it all happens at the piano, with a pencil and a pad of manuscript paper.

7. How, do you feel, could contemporary compositions reach the attention of a wider audience?

I feel like there’s a bit of a paradox here. I think for contemporary composition to reach a wider audience, contemporary composers need to stop trying to reach a wider audience.

I feel like writing for wider appeal effects the creative process negatively, underestimating the audience’s sophistication as listeners. Instead, composers should focus on themselves, and find the music they feel is incumbent on them to write. This will result in the best work, and more likely to find an audience.

I also feel as though with streaming services there really is an audience for everything. There are so many artists today producing what would be considered niche music, but able to find audiences for it online. So to me, that’s another reason broader appeal shouldn’t be something composers spend too much time thinking about.