Intervista ad André Kellerberg, Poliedrico pianista e compositore.

Benvenuto André e ti ringranziamo in anticipo per averci concesso quest’intervista.

Grazie a voi, ne sono lieto. In questi tempi di quarantena è bello poter uscire “dal proprio guscio” una volta ogni tanto e scambiare due chiacchiere con altre persone.

Quando hai iniziato a comporre – e cosa o chi sono state le tue prime passioni e influenze?

Per quanto ricordi, ho sempre avuto una reazione molto forte alla musica. L’ho assorbita tutta e poi l’ho suonata in modo creativo (con tutto quello che avevo a disposizione. Quando ero piccolo utilizzavo semplicemente la mia voce, battendo le mani sulla credenza con dei bastoncini, ecc.) Più tardi i miei genitori hanno coltivato questo mio talento mandandomi a lezioni di organo e pianoforte. A scuola ho ricevuto anche lezioni specifiche di composizione, studi armonici e di altri strumenti (violoncello, clarinetto). Grazie a queste lezioni ho acquisito una certa abilità nel lavorare alle mie creazioni, alle mie partiture, ecc. Le influenze musicali provenivano da tutte le direzioni. Sono cresciuto negli anni ’80 e non c’era modo di sfuggire alla musica Pop e al caratteristico suono sintetizzato di quel periodo. Per quanto riguarda la musica classica: inizialmente Bach, ma soprattutto Beethoven, Bruckner e Mahler hanno influenzato maggiormente il mio stile. Si tratta della cosiddetta tradizione sinfonica tedesca. Provate ad immaginarveli, soprattutto negli anni ’80 e nei primi anni ’90. Ancora oggi rivedo Karajan e Bernstein dirigere Beethoven in diretta televisiva! Mi innamorai anche dei Metallica e della Thrash Metal Music alla fine degli anni ’80. Quello è stato il punto di partenza. Così come i Shostakovich, Radiohead, Björk e Arvo Pärt hanno influenzato la musica degli anni ’90. È più o meno così. Non ho mai capito quali fossero i confini e le limitazioni del genere. Ci sono delle somiglianze in termini di emozione, energia e passione che si presentano nella musica (nonostante i diversi arrangiamenti o complessità). È interessante notare che non mi è mai piaciuta la musica jazz e i compositori minimalisti americani come Reich e Glass che sono tenuti in grande considerazione dalla maggior parte dei compositori contemporanei. Non mi ha fatto alcun effetto. Ho solo iniziato ad “apprezzare”, diciamo così, alcune delle opere di Reich e Glass in questi ultimi anni. Da ragazzo quando andavo a scuola mi sentivo alienato e diverso dagli altri, perché pensavo soltanto allo studio, pensavo ai spartiti di Mahler e Shostakovich, ecc. Il pianoforte mi faceva compagnia. Quando mi capitava una brutta giornata scolastica, mi recavo direttamente al pianoforte e lo suonavo con forza. In seguito è andato tutto bene. Suonare il pianoforte mi ha permesso di mantenere un equilibrio mentale e fisico. Ho iniziato a comporre in seguito (saggi, poesie, bozze teatrali, ecc.) e come già detto: con la musica e il pianoforte mi sentivo e mi sento tuttora a mio agio. Questo è il mio aspetto più sensibile. Adesso sto continuando a comporre. Ho molte idee che continuano ad affiorare nella mia mente. Ogni tanto ho bisogno di svagarmi per poter creare delle novità.

A livello personale quali consideri come momenti incisivi nel tuo lavoro e / o nella tua carriera?

I momenti chiave della mia vita sono stati quelli in cui ho incontrato nuove persone con le quali ho potuto collaborare (musicalmente e/o artisticamente), registrare in un ambiente diverso con più strumenti o comporre per gruppi, ecc. Praticamente tutto quello che ci costringe a rinunciare alle nostre comodità e che impone l’apprendimento di nuove competenze. Questo amplifica A) le caratteristiche sonore dei brani, B) la metodologia di registrazione di un progetto e C) il metodo utilizzato per inserire la musica in un contesto più ampio, per esempio migliorando l’esperienza sonora con una componente visiva. Imparare il mestiere dagli altri, l’approccio artistico e l’uso di tecniche e tecnologie acquista un valore immenso durante il nostro percorso professionale. Avere una diversa visione di sé stessi, mettersi in gioco oltre la propria zona di comfort migliora sicuramente il proprio stile di vita e favorisce la realizzazione di progetti futuri. Qualsiasi conoscenza aggiuntiva relativa al proprio mestiere aiuta ad essere sempre più bravi e ad ottenere il massimo dalle proprie idee e dalla propria visione creativa.

Puoi dirci qualcosa sulla tua ultima pubblicazione discogrfica “The Way Out Is Through”?

Questo è un album molto rigoroso e pungente. È coerente, diretto, onesto. I brani sono ben disposti, soprattutto in quest’ordine. Ciò permette alla narrazione – immaginate un fiume sotterraneo che scorre intensamente – di svilupparsi adeguatamente con un respiro intenso dall’inizio alla fine. Non è certo un album raffinato per pianoforte, non mostra tecniche pianistiche né espressioni eleganti. Personalmente penso di possedere mani da macellaio con dita corte che sono più adatte a frantumare le cose o per spaccare la legna. L’album è probabilmente una sincera “assimilazione” della mia mentalità, una sorta di “dichiarazione emotiva” sul mio status quo della vita. L’arte stessa, sul piano individuale e generale, affronta in un certo senso la condizione umana.

Quanto tempo ci è volute per preparare l’album?

Credo che tutte le composizioni siano state scritte nell’arco di 9 mesi. Ho iniziato a scrivere intorno a giugno/luglio del 2018. Alcuni pezzi sono stati scritti piuttosto velocemente (come “Deep Breath” o “Honesty”) – questi sono state realizzate in 30 minuti circa, nel corso di improvvise manifestazioni di creatività. Per le altre ci sono volute un paio di modifiche. Prendete Volcano. Mi piace molto la melodia dell’inizio. Mi ricorda un po’ i miei inizi con lo stile di Bach. Naturalmente, come il brano si evolve da quel punto di partenza resta comunque accessibile. Non ero sicuro di poter realizzare una buona melodia. Per fortuna, dopo due tentativi di registrazione, sono riuscito ad ottenere una versione soddisfacente. All’inizio della sessione di registrazione un altro brano è stato completamente improvvisato di punto in bianco e l’ho inserito nell’album finale – nessuno se n’è accorto. Al termine della sessione mi sono completamente dimenticato di quel brano e sono rimasto sbalordito quando è arrivato il primo missaggio. Alcune tracce non sono state incluse nell’album, poiché ritenevo che avrebbero potuto inutilmente rovinare la struttura dell’album.

Cosa significano per te improvvisazione e composizione e quali sono, per te, i loro rispettivi meriti?

Entrambe sono importanti. Le nuove idee, i progetti, nascono da improvvisazioni (intuitive). Fondamentalmente tutto può scatenare un impulso o una prima vaga idea di qualcosa (rumori, una discussione, un film, ecc.). Per esempio, si può ottenere una sorta di cellula embrionale dell’idea che ha bisogno di essere ulteriormente sviluppata, oppure è come se si avesse un diamante grezzo a disposizione che necessita solo di essere lavorato e rifinito. La composizione è quindi quella parte cruciale che richiede abilità, esperienza e buon istinto. Questa è la parte creativa. Bisogna poi inserire il progetto nella sua forma adatta ed aggiungere delle ” spezie ” (dei livelli sonori ovvero gli accordi musicali) nel missaggio per renderlo “gustoso”. Con l’esperienza e l’istinto, ogni idea vi dirà cosa deve mostrare nei suoi colori migliori. Il resto è solo una questione di pura volontà e mezzi per rendere il tutto possibile.

Il ruolo del compositore è sempre stato soggetto a cambiamenti. Quale è la tua opinione sui compiti (ad esempio politici/sociali/creativi) dei compositori di oggi e come cerchi di raggiungere questi obiettivi?

La mia interpretazione del ruolo e dello scopo del compositore di oggi? Semplicemente essere un “praticante della sound art”, una persona capace di rispecchiare la ” condizione umana” contemporanea nei suoi diversi strati attraverso la “produzione del suono”. Disporre di una visione o di un concetto creativo eseguito a regola d’arte attraverso l’uso delle moderne tecnologie, sfruttando tutte le capacità degli strumenti impiegati, per produrre qualcosa di unico e guadagnare la fiducia del pubblico. Fiducia che viene successivamente alimentata da tournée, collaborazioni, contatti e collegamenti in rete. Finora non ho raggiunto la massima eccellenza nella fase esecutiva, ma mi sto avvicinando sempre di più al suono che sento nella mia mente grazie a tutti i nuovi progetti e alle nuove apparecchiature che vengono proposte nella composizione.

Che attrezzatura usi per comporre la tua musica?

A casa, quando scarabocchio delle idee mi tengo leggero in termini di attrezzature. In pratica siamo solo io, il pianoforte, l’Iphone e l’app Spire Audio. Quando invece si tratta di musica ambient o elettronica, faccio qualche pre-registrazione al pianoforte (Cubase è ancora il software più adatto, lo uso da anni), ma poi suono con il mio ipad, un paio di app, il mio Novation Launch Control XL e la tastiera Ableton USB. Potete ascoltare il risultato finale in un video del mio amico Björn Steinz, per il quale ho fornito la musica (https://vimeo.com/375156135). Per le partiture d’insieme uso il pianoforte elettronico e il software Notation del mio portatile. Niente di stravagante, ma questo è quello che fa per me. Non sono un appassionato o un esperto di informatica. Tuttavia cerco di comprenderla nel miglior modo possibile affichè possa ottenere il miglior risultato finale possibile. Non avendo ancora realizzato un vero e proprio studio di registrazione per limiti di budget, dovrò rimandare il tutto per un periodo prolungato, per adesso devo essere più abile nel realizzare un’idea e garantire la migliore qualità sonora disponibile. Durante le sessioni live uso molto l’ipad e il Launch Control XL (insieme al mio Computer). Anche se preferisco molto la versione autentica dal punto di vista acustico (il suono è semplicemente migliore), si tratta di un compromesso accettabile in questo momento in quanto mantiene il budget e la mobilità leggera. Per la registrazione dell’album abbiamo usato un pianoforte Steinway Grand Piano vecchio di 100 anni, un mini moog, un pianoforte Fender Rhodes, un pianoforte elettronico Wurlitzer, un sintetizzatore Juno-60 e un sintetizzatore modulare Arturia. Appena riuscirò a risparmiare un po’ di soldi, investirò sicuramente in apparecchiature di registrazione migliori e in qualche sintetizzatore (molto probabilmente il sintetizzatore Juno e l’Arturia e il mini Korg M-20).

Come pensi che le composizioni contemporanee possano attirare l’attenzione di un pubblico ampio?

Ci sono già alcuni esempi di composizioni o compositori contemporanei che hanno raggiunto un pubblico più ampio, se si guarda a personaggi del calibro di Max Richter, Nils Frahm, Olafur Arnalds e il defunto Johann Johannsson. Oltre a Nils Frahm (e sono a conoscenza dei suoi contributi cinematografici), gli altri compositori sono molto impegnati con frequenti composizioni per film o serie televisive”, il che naturalmente dà loro una piattaforma più ampia per ottenere una maggiore visibilità, aiutandoli anche a portare avanti le loro ambiziose opere solistiche (che poi, grazie ai servizi di streaming e alle tournée, ottengono anche un riconoscimento più ampio). Hauschka e Dustin O’Halloran sono altri buoni esempi. Nils Frahm, in particolare, aveva certamente il vantaggio di essere il protagonista di quel movimento “pianoforte/elettronica/ambient”, un decennio fa (sto lottando con il termine “neoclassico” – si tratta semplicemente di musica moderna con il pianoforte come strumento acustico primario). Le stelle sono entrate in collisione quando è apparso sul palco. Sicuramente c’è stato un cambiamento anche nella musica classica. Negli ultimi vent’anni sono emersi compositori come il già citato Max Richter o Johann Johannson, che hanno ottenuto un contratto con la prestigiosa casa discografica Deutsche Grammophon. Tra le novità vi è ad esempio Joep Beiving. Tutti questi esempi hanno un paio di cose in comune: la loro capacità musicale (talento e tantissimo lavoro), la loro visione di abbattere i confini (i generi, il modo di registrare la musica, l’approccio ai concerti e le aspettative in generale), le loro personalità carismatiche, la loro vena creativa accattivante per creare melodie, emotivamente efficaci e facilmente fruibili. Alla fine ci vuole anche un po’ di fortuna per poter andare al sodo ed ottenere un po’ di supporto da parte dei mass media per poter essere inseriti in qualche pagina o playlist (di cui Joep Beiving è un buon esempio: autoproclamando il suo album d’esordio ed entrando a far parte di una popolare playlist di Spotify e diventando una star di internet prima di fare un tour più lungo). Tutti questi artisti hanno dimostrato di essere stati molto autentici senza falsi pretesti ed hanno creato un marchio di se stessi (creando anche contenuti interessanti e autentici sui social media, oltre a intriganti rappresentazioni visive della loro musica). Racconti simili per Olafur Arnalds e Nils Frahm. Ma a parte questa “Champions League” c’è ancora molto da scoprire e direi che ci sono 3 artisti di questa scena classica contemporanea che dovrebbero essere a disposizione di tutti: Carlos Cipa, Niklas Paschburg e soprattutto Hania Rani (che unisce bellezza, eleganza, un’assoluta giocosità senza fine e le sue idee melodiche che sembrano non appassire mai). Sono curioso di scoprire altre perle.

Potresti dirci qualcosa sui tuoi progetti futuri?

Come ho detto prima, il punto chiave di questo percorso musicale per me sono sempre state le collaborazioni che mi aiutano ad imparare e a crescere (non importa quanti anni tu abbia J). Quest’anno sto lavorando su alcuni progetti di collaborazione. Uno con la Vienna Soundartists Jakob Schauer (www.jakobschauer.com) che si trova a metà strada tra la musica classica per pianoforte e il rumore/suono puro, con l’obiettivo di creare qualcosa di unico da quel “dialogo sonoro”. L’altro progetto sarà un lavoro multimediale dedicato alla Siberia in collaborazione con un mio caro amico, l’acclamato fotografo documentarista Björn Steinz (www.bjoern-steinz.com). Nel primo progetto contribuirò principalmente con parti di pianoforte, ma avrò anche la possibilità di scrivere di nuovo partiture per complessi. Nel caso della Siberia si tratterà di un mix di tutto questo, rumori, frammenti di pianoforte e musica elettronica trasformando il tutto in un prodotto multimediale. App, sito web, mostra, film documentario, un album, un pezzo per orchestra. È un progetto molto ambizioso, e spero che riusciremo a realizzarlo non appena le cose torneranno alla normalità e sarà di nuovo possibile viaggiare (al momento le frontiere della Repubblica Ceca sono chiuse e forse rimarranno tali per un bel po’ di tempo).

Infine, ma non per questo meno importante, sto mettendo insieme alcuni brani registrati da casa, registrati nelle ultime due settimane. Emozioni echeggianti provenienti da questa casa in quarantena, se volete. Saranno presto pubblicati.

Dove possono trovare maggiori informazioni su di te i nostri lettori?

La miglior cosa è immergersi nella mia “home” o “salotto virtuale / mappa mentale personale” (è così che chiamo la mia home page. La mia casa dolce casa) http://www.andrekellerberg.com. È più un blog anziché una pagina d’informazione. A parte la musica, mi piace aggiungere materiale accuratamente selezionato da tutti gli angoli dell’arte – sto anche preparando alcuni scritti (saggi/racconti/racconti teatrali) o disegni per bambini. Mi piace l’accostamento eclettico di tutti i tipi di frammenti d’arte, ecc. per creare un nuovo significato da tutto questo mix.

E per chi è appassionato di Facebook/Instagram/YouTube: troverete i link di questi ultimi direttamente nella mia “home”. Ecco i diversi modi per essere coinvolti nella mia attività.

***English Version***

Welcome André and thank you for this interview.

Sure thing, my pleasure. It’s good to get of your little “snail house” once in a while in these times of quarantine and have a little thought provoking chat with other people than your roommates.

When did you start composing – and what or who were your early passions and influences?

As far as I can remember, I always reacted very strongly to music. I absorbed all of it and then creatively played around with it (with everything I had at my disposal. As I kid it was simply my voice, clapping on the cupboard with some sticks etc.). Later on my parents nurtured that talent by sending me to organ and piano lessons. Got special lessons on composition, harmonic studies and other instruments (cello, clarinet) at school too. I was grateful for that as it gave me a certain skillset to work on own ideas and scores etc. Musical influences came from all direction. I grew up in the 80s and there was no way to escape the Pop music with its distinct 80s synthesiser sound. As for classic music: first Bach, but then most of all Beethoven, Bruckner and Mahler had the biggest impact on me. The so called German symphonic tradition. And imagine especially in the 80 and early 90s. I still saw Karajan and Bernstein conducting Beethoven live on television! Fell in love with Metallica and Thrash Metal Music end of the 80s too. That’s kind of the foundation. Shostakovich, Radiohead, Björk and Arvo Pärt followed as further influences in the 90s. That’s kind of it. Never understood genre boundaries or limitations. There are similarities in terms of the emotion, the energy and passion that is presented in the music (despite different arrangements or complexity). Interestingly, I was never into jazz music and the American minimalistic composers like Reich and Glass which are held in high esteem by most of the contemporary composers. This didn’t do anything for me. Only started to, let’s say, ‘appreciate’ some of Reich’s’ and Glass’ works in the last couple of years. As a kid at school I felt alienated, and I was certainly different than the others, sticking my head in books as well as Mahler and Shostakovich symphony scores etc. The piano was a good companion here. When I had a shitty day at school, I went straight to the piano and played it hard. Afterwards it was ok. Music and the mental and physical aspect of piano playing kept and still keeps me balanced. I wrote a lot later on (essays, poems, theatre play drafts etc.) but with music and the piano I felt and still feel most comfortable and by myself. That’s me at my most vulnerable. Am still writing though. Too much going on in my head then needs to get out. I need to clean up occasionally and make space for new things.

What do you personally consider to be incisive moments in your work and/or career?

For me key moments were the moments when I met new people with whom I could either collaborate (musically and/or artistically), record in a different setting with more gear or write for ensembles etc. In principle everything that puts you out of your comfort zone and forces you to learn new stuff. This expanded a) the soundscape of the tracks, b) the approach of how to record a project and c) the approach of how to put music in a larger context, e.g. by enhancing the audio experience by a visual component. Learning from other people’s craft, artistic approach and use of techniques and technology is of immeasurable value on one’s path. Putting yourself in a different mind-set, putting yourself at risk outside of your comfort zone certainly lifts up your game and is a benefit for future projects. Any additional knowledge about your craft helps to get better and to get the optimum out of your ideas and creative vision.

Can you tell us something about your last release “The Way Out Is Through”?

It’s a very tight and edgy album. It’s consistent, straight forward, honest. The tracks fit nicely together, especially in that order. That allows for the underlining narrative- imagine a deeply flowing underground river stream- to develop properly with a deep breath from start to finish. It’s certainly not an elegant piano album, not show casing piano techniques and elegant phrasing. I have rather butchers’ hands with short fingers which are more suitable for crushing stuff or chopping wood, you know? The album is probably an honest “digestion” of the mind-set I was in, sort of an “emotional statement” about my status quo in life. On an individual and general level art itself always deals with the human condition in a way.

How long did it take to prepare the album?

All tracks were written over a period of about 9 month I guess. Started in about June/July 2018. Some pieces wrote themselves pretty quickly (like “Deep Breath” or “Honesty”)- these came about in roughly 30 minutes, in impulsive creative eruptions. Others took a bit more tweaking. Take Volcano. I really love the melody in the beginning. Kind of a reminiscence of my early Bach days. But how the track evolves from that starting point has always been open. And I wasn’t sure I would do that melody proper justice. Luckily after two attempts at the recording session I had a version I felt happy with. Another track was completely improvised out of the blue right at the beginning of the recording session and made it on the final album- Nobody noticed. I totally forgot about that track after the session and was stunned when the first mix arrived. In the end, some of the recorded tracks didn’t make it on the album, as I felt they would unnecessarily blow up the otherwise sufficient and tight structure.

What do improvisation and composition mean to you and what, to you, are their respective merits?

Both are equally important. New ideas, blue prints, come about in (intuitive) improvisations. Basically everything can trigger such an impulse or the first faint idea of something (noises, an argument, a film etc.). As a result, you can have kind of an embryonic cell of an idea which needs further developing or you already have a rough diamond that only needs some shaping and polishing. Composition is that crucial part that requires skill, experience and good instinct. That’s the craft part. You need to put the blue print into its right form and add “spices” (aka sound layers, arrangement) into to the mix to make it “tasty”. With experience and instinct, each idea will kind of tell you what it needs to show itself in its best colours. The rest is just a question of pure will and resources to make it happen.

The role of the composer has always been subject to change. What’s your view on the (e.g. political/social/creative) tasks of composers today and how do you try to meet these goals in your work?

My take on the role and the purpose of the composer today? Simply being a ‘practitioner of sound-art’, a person who is capable of reflecting the contemporary “condition humaine” in its different layers by means of “sound production”. Having a creative vision or concept that is executed well by using modern technology, by utilizing the full capabilities of the used instruments and tools, to produce something unique and by that eventually earn the trust of an audience. Trust that is then nurtured by touring, collaborations, networking/connecting. I haven’t excelled in the execution part yet, but am getting closer to the sound I hear in my head with every new project and new piece of equipment that is thrown in the mix.

What equipment do you use to compose your music?

At home, when scribbling around with ideas I keep it light in terms of equipment. It’s basically just me, the piano, the iphone and the Spire Audio App. When it comes to more ambient or electronic stuff I might do some pre-cording at the piano (Cubase is still the best fitting software here- use it for years), but then play around with my ipad, a couple of apps and my Novation Launch Control XL plus my Ableton USB Keyboard. You can hear the result of the later in a Video by my friend Björn Steinz for which I provided the music (https://vimeo.com/375156135). For ensemble scores I use the electronic piano and the Notation software on my laptop. Nothing fancy, but that’s what works best for me. I am not per se a technical geek or expert. I like to understand it as best as possible though and get my head around things to utilize any learnings to get the best possible final outcome. I haven’t built up a proper home studio yet due to money constraints, and have to postpone this for later now, but it will come, to be more flexible to realise an idea and to ensure best possible audio quality. During the live settings I very much use the ipad and the Launch Control XL (plus my Computer). Though I very much favour the real deal for the acoustic part (the sound is simply better), it is an acceptable compromise right now as it keeps the budget and mobility light. For the album recording we used a 100-year-old Steinway Grand Piano, a mini moog, a Fender Rhodes piano, a Wurlitzer electronic piano, a Juno-60 synthesizer and a modular Arturia synthesiser. Once I am able to save some money, I will surely invest in better recording equipment + some synthesisers (most likely the Juno and the Arturia synthesizer plus mini Korg M-20).

How, do you feel, could contemporary compositions reach the attention of a wider audience?

There already are some examples of contemporary compositions or composers that reached a wider audience, if you look at the likes of Max Richter, Nils Frahm, Olafur Arnalds and the late Johann Johannsson for instance. Apart from Nils Frahm (and I am aware of his film contributions), the other composers are very much engaged with frequent compositions for film or TV series’ which naturally gives them a bigger platform to get awareness, which also helps them to pursue their ambitious solo works (which then thanks to streaming services and touring gets a wider recognition too). Hauschka and Dustin O’Halloran are other good examples here. Nils Frahm in particular certainly had the advantage to be the front runner of that “piano/electronica/ambient”- blend movement a decade ago (I am struggling with the term “neo-classical”-it’s simply modern music with the piano being the primary acoustic instrument). Stars collided when he appeared on the stage. There has definitely been a shift in the classical sector too. Over the past 2 decades composers like the mentioned Max Richter or Johann Johannson emerged and got signed by prestigious classical label Deutsche Grammophon. New additions incl. for instance Joep Beiving. All of these examples have a couple of things in common: their musician ship (talent + lots and lots of work), their vision to break down boundaries (genres, way of recording music, approaching concerts and expectations in general), their striking charismatic personas and a streak for compelling catchy, emotionally effective and accessible tunes. In the end there is also a bit of luck to cut through the noise and get some support from multiplicators or get listed on some highly frequented pages or playlists (for which Joep Beiving is a good example: self-releasing his debut album and getting listed on a popular Spotify playlist and by that becoming an internet star before he played a longer tour). All of them have been very authentic without false pretend and created a brand of themselves (also creating interesting and authentic content on Social Media, plus intriguing visual representations of their music). Similar accounts for Olafur Arnalds and Nils Frahm. But apart from this “Champions League” there is still a lot to discover and I’d say that the following 3 artists from this contemporary classic scene should be on the lookout for everyone: Carlos Cipa, Niklas Paschburg and most of all Hania Rani (combining beauty and elegance with a sheer endless playfulness and her well of melodic ideas that never seems to dry).

I am anxious to find more gems in the “noise”.

Could you tell us something about your future projects?

As I said earlier, the key stones for me on this musical ride have always been collaborations that help me to learn and to grow (no matter how old you areJ). So this year I am especially working on some collaborative projects. One with Vienna Soundartists Jakob Schauer (www.jakobschauer.com) which is at the crossroads of more classical piano music and pure noise/sound with the aim to create something unique out of that “sound dialogue”. The other project will be a multimedia project on Siberia with a good friend of mine, acclaimed documentary photographer Björn Steinz (www.bjoern-steinz.com). While for the first project I will mainly contribute piano parts, I will also have the chance to write scores for ensembles again. For Siberia it will be mix of this, noises, piano sketches and electronic music and turn this into a project with multiple output. App, website, exhibition, documentary film, an album, an orchestral piece. That is a very ambitious project, and I hope we are able to do this as soon as things get back to some sort of normality and travelling will be possible again (right now the borders in CZ are closed and might stay as such for quite a while). Last but definitely not least, I am putting together some home recorded tracks, which I recorded in the past 2 weeks. Emotional echoes from quarantine home base if you will. Will be released soon.

Where can our readers find more information about you?

Best is to immerse yourself in my “home” or “virtual living room/personal mind map” (that’s what I call my home page. My home sweet home)-www.andrekellerberg.com. It’s more of a blog, then a pure information page. And apart from music I enjoy adding carefully selected stuff from all art corners- am also preparing some writings (essays/short stories/short plays) or infantile drawings which may end up there too. I like an eclectic juxtapositioning of all sorts of art snippets etc. to create new meaning out of that mix. And for those who are into facebook/Instagram/youtube: you find the links to these on my “home” page too. Several ways to get exposed to my output.